TALLER DE ARTE UNIVERSAL EL BARROCO (II)

 (CONTINUACIÓN)
 

13-11-2007

 

Diapositiva nr. 7: Catedral de St. Paul, Londres, de Sir Christopher Wren

                                             

 

-Es difícil de diferenciar ya que parece renacentista.

-Wren trabajó en las construcciones más importantes de Inglaterra.

-A raíz del incendio de Londres de 1676, se le encargó la reconstrucción del urbanismo y los edificios principales de Londres.

-Esta catedral está inspirada en San Pedro del Vaticano y se acabó a principios del S.XVIII (1710).

-Presenta planta basilical (cruz latina).

-Tiene una cúpula parecida a la de Miguel Angel y a la de Bruneleschi.

-Tiene dos torres con mas elementos Barrocos, frontones curvos, etc.

-Se dice que ocupa el lugar de un templo dedidado a Diana, luego fue iglesia cristiana, luyego románica y después gótica.

-Era el mayor monumento religioso de Inglaterra.

-En sus tumbas se encuentra el Almirante Nelson, el Duque de Wellington, y el propio arquitecto Wren.

 

Diapositiva nr 8: Iglesia de Die Wies, en Baviera (Alemania), del S.XVIII, arquitecto Zimmerman. (1754).

               

 

-Parece como si el Rococó francés se hubiese trasladado a esta iglesia. Está exageradamente decorada.

-La planta del edificio es oval.

 

15-11-2007

 

Clasificación del Barroco por fechas:

            -Barroco temprano o primitivo: 1580-1630.

            -Barroco maduro o Pleno: 1630-1680.

            -Barroco tardío o Rococó: 1680-1750.

 

Características generales de la escultura Barroca.-

 

-Va a tener las mismas características generales que la pintura.

-Recalcamos el movimiento, lo que representa, la técnica, los nuevos materiales y seguimos con la misma teatralidad y efectismo.

   La primera etapa en escultura Barroca va a ser manierista, muy clásica.

   -Los materiales: mármol, bronce.

   -Va a tratar temas religiosos, profanos y mitológicos y también esculturas funerarias adosadas a la pared.

   -Movimiento y monumentalidad o grandiosidad son características; (ejemplos: Santa Teresa de Bernini, Apolo y Dafne)

   -La composición va a tener una forma diagonal.

   -En Italia, en especial, se trabaja el mármol con calidades táctiles y dos grandes representantes:

-Gian Lorenzo Bernini, arquitecto y escultor contrarreformista, con estilo helenístico clásico, grandiosidad y monumentalidad, tratando de provocar en el fiel algún sentimiento o emotividad.

Alexandro Algardi, que a diferencia de Bernini, fue un gran retratista de reyes, papas, aristócratas y por eso utiliza una estética mas manierista.

 

Diapositiva nr. 9: Beata Ludovica Albertoni, de Gianlorenzo Bernini, en San Franchesco  a Ripa, en Roma.

 

 

-Ver los pliegues como arrugas de tela.

-El velo y el manto de la Beata.

-Forma serpentina (ondulada) propia del Barroco.

-Presenta tensión y emotividad. En su rostro se reflejan a la vez el sufrimiento humano y la felicidad celestial. Ella vivió repetidas experiencias de visiones y éxtasis místicos, y Bernini, fiel a la imagen que tenía de Ludovica, quiso representarla en el momento de su muerte, pero transformando ese lance dramático en un momento de éxtasis y de unión mística con su Señor

-Se realizó en 1674, en mármol, alabastro en la base.

-Esta imagen ha disfrutado de ambiguas interpretaciones eróticas.

-Se cree que este estilo arquitectónico llega a ser pictórico por su calidad.

-Está situada en un enterramiento dónde la luz siempre incide sobre la Beata, que es otra característica del Barroco.   Bernini se inició como escultor y arquitecto manierista y lo aprendió de su padre que era renacentista, Juan de Bolonia.

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TALLER DE ARTE ESPAÑOL (BARROCO) II

13-11-2007

 

Características generales de la pintura Barroca española.-

 

   La pintura Barroca en España es sobre todo religiosa, va a ser el arte de la contrarreforma y esto se va a representar en los cuadros.

   Se representa la “Eucaristía”, la devoción a los mártires, la devoción mariana (en el S.XVIII se dio forma pintórica a la Inmaculada Concepción).

–Tenemos influencia de la pintura italiana, y el principal representante de la pintura que importa este nuevo arte (“tenebrismo” o “naturalismo”) es Caravaggio.

Va a predominar el color sobre el dibujo. La paleta es más suelta, la pincelada mas amplia, y la gama cromática también.

–Se va a representar lo que se ve y tal como lo vemos.

–En la composición, en el Renacimiento, las figuras tenían forma de pirámide, y en la pintura Barroca se dibuja en diagonal (o composición atectónica).

–La pintura religiosa tendrá como clientes al clero.

–Hay algo de mitología y paisajes, y el bodegón austero y sobrio en contraposición a los bodegones reformistas mas ricos, con mas elementos como encajes, flores etc.

 

   La primera época de la pintura Barroca edra también tenebrista pero con el paso de los años cambió a mas realista, mas costumbrista y colorista.

   Hubo tres escuelas en la pintura Barroca española:

1)      Escuela Andaluza

2)      Escuela Valenciana

3)      Escuela Madrileña.

De la Escuela Valenciana vamos a tener autores como Ribalta, José de Ribera (o El Españoleto). Jose de Ribera nació en Játiva y se fue a Nápoles a estudiar pintura. Característica de esta escuela valencia es el tenebrismo.

 

De la Escuela Andaluza que fue la corriente más rica primero tuvo un periodo de transición, el manierismo. Dentro de esta escuela tenemos a Zurbarán (pintor de los frailes), que representa sobre todo temas religiosos, aunque también pintó bodegones. Comenzó con el tenebrismo y fue evolucionando con los encargos que se le iban haciendo hacia el color. Destacar de él la calidad (sobre todo en las telas) y su despreocupación de la perspectiva. Murillo, igual, comienza con temáticas religiosas pero no acusó fuertemente el tenebrismo; representaba a los niños, querubines, y luego se hizo experto representando a la Inmaculada Concepción que la representó sin las letanías (el pozo, el agua, las rosas, etc.), la representa pisando una bola del mundo, una media luna, serpiente y querubines, representa el triunfo de Cristo en la Tierra. Valdés Leal es el representante del tenebrismototal (no cambió en toda su vida), representaba sobre todo las postrimerías del hombre: muerte, fugacidad del hombre en la Tierra, etc.

 

La Escuela Madrileña se encarga mas de un tipo de pintura dedicada al arte Borbónico o Versallesco. Claudio Coello lucha por conseguir la perspectiva. Juan Carreño se dedica sobre todo al tipo de pintura de retrato.

 

Diapositiva nr. 9: Martirio de San Bartolomé, de José de Ribera

 

 

 

-recoge una escena común en los martirios de santos durante los primeros tiempos del cristianismo, se trata del desollamiento, o arrancamiento de la piel dejando a la vista los tendones y músculos. La muerte no era inmediata y el mártir sufría durante horas viéndose desollado y frecuentemente soportando que los verdugos le echasen vinagre y sal en las zonas afectadas. Muy barrocos son los efectos lumínicos fuertemente contrastados, las posturas en escorzos forzados y los gestos exagerados de los rostros.

 

Diapositiva nr. 10: La Visión de San Pedro Nolasco, de Zurbarán, 1.629 (Museo del Prado)

 

                                  

 

 

-Procede del convento sevillano de la Merced.

-Observamos sencillez, búsqueda de la realidad, hay poca perspectiva.

-Representa un milagro del fundador de la orden.

-Destacan las texturas de las telas, los pliegues de las ropas, etc.

 

Diapositiva nr. 11: El Triunfo de Baco (o Los Borrachos), de Velázquez, 1628-1629. Museo del Prado, Madrid.

 

 

-Velazquez era un fiel interprete de la realidad, sólo idealiza aquí a Baco.

-Crea una cierta atmósfera, el “sfumato”.

-Es una obra bastante colorista.

 

15-11-2007

 

Diapositiva nr. 12: La Rendición de Breda (o Las Lanzas), Velásquez, 1634-1635, Museo del Prado, Madrid.

 

                       

 

-Velazquez es el pintor Barroco más importante tanto en España como fuera. Inició un poco el impresionismo por su paleta suelta, colores, etc. Pintó todo tipo de géneros, religiosos, mitológicos, retratos, etc.

-En este cuadro vemos la “perspectiva aérea” y la “profundidad”. La perspectiva aérea es la representación de los objetos tal como los vemos, y crea una cierta atmósfera en los cuadros que envuelve los objetos. Se consigue dibujando a los objetos del fondo mas desvahídos, más difuminados, menos nítidos, así se consigue una impresión mas real.

    Velázquez  nació en 1599 y murió en 1660. Estudió en la escuela de Francisco Pacheco (que luego sería su suegro). Cuando empezó a trabajar en la corte gobernaban los Austrias. Fue pintor de cámara de Felipe IV. Viajó a Italia y se impregnó de la pintura italiana. Sus primeras obras son tenebristas (o naturalistas), y luego pasó al color. Conoció a Rubens, que le hizo viajar a Italia; estuvo en Nápoles, Roma y Venecia, a su vuelta en 1631 trabajó para Felipe IV.

-Este cuadro se hizo para el Palacio del Buen Retiro.

-Es pintura histórica. Breda está en Holanda y ocurrió cuando los tercios españoles tomaron Breda, está incluido este episodio en la guerra de los 30 años. En el paisaje se puede ver un mundo de batallas, de guerras, la ciudad incendiada… Los españoles a la derecha con lanzas, los holandeses a la izquierda con picas y fusiles. En el centro dos personajes, el español Ambrosio Spínola, y a la izquierda el gobernador de Breda Justino Nassau que le está entregando las llaves al español.

-Composición en diagonal, estilo Barroco naturalista. Contrastes entre luces y sombras. El caballo visto desde atrás nos dá una forma redondeada, símbolo de pintura Barroca, y la cara de Velázquez que se encuentra al lado del caballo.   

-Cada personaje que vemos es un verdadero retrato psicológico.

 

Diapositiva nr. 13: Conde Duque de Olivares (nieto de Pedro Pérez de Guzmán y Zúñiga I conde de Olivares), Velázquez, 1638, Museo del Prado.

 

 

                                              

 

-Retrato escuestre, realista, sereno, mesurado y directo.

-Calidad en las telas, en el rostro, etc.

-Caballo de espaldas, elemento del Barroco.

-Los rostros parecen fotografías.

-Al fondo hay un paisaje que se difumina y que recuerda a la pintura italiana.

-La posición del caballo se llama “en corbeta”.

-Se observa la perspectiva en diagonal.

-Destacan el colorido y brillo en el caballo.

-Al fondo está la batalla de Fuenterrabía entre españoles y franceses, que aunque este conde no asistió a ella si quiso que se le representase como dirigiéndola.

 

Diapositiva nr. 14:  La Señora Emperatriz con sus damas y una enana, o La familia de Felipe IV (“Las Meninas” o acompañantes de los niños reales; este nombre se le puso por primera vez en 1834), 1656, Museo del Prado, Madrid.

 

                                              

-Composición atectónica.

-Velazquez  realiza su segundo viaje a Italia en 1649 y vuelve en 1651 y sigue pintando numerosos retratos.

-Parece una instantánea fotográfica.

Se realizó en el Alcázar, y los personajes se agrupan en un primer plano y la figura principal es la de la Infanta Margarita.

El tema del cuadro parece trivial, la infanta y sus damitas de compañía (meninas en portugués) irrumpen en el estudio de Velázquez, pintor de cámara del rey Felipe IV, que se encuentra pensativo y observa los modelos que se dispone a pintar. Nosotros podemos ser esos modelos ya que somos contemplados por Velázquez. Sin embargo, los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, a quienes vemos reflejados en el espejo del fondo, son las personas que el pintor retrata.

-Pero vayamos por partes, en primer término y de izquierda a derecha tenemos a María Agustina Sarmiento que está haciendo una reverencia y ofreciendo en una bandeja plateada un jarrito o búcaro rojo a la infanta Margarita de Austria que se encuentra en el centro de la composición y resulta ser una deliciosa y encantadora niña de seis añitos de edad. Margarita acepta con su mano el jarrito y nos observa con su candorosa mirada infantil. Un poco más a la derecha vemos a otra menina, Isabel de Velasco, que también muestra sus respetos mediante una suave reverencia. La siguiente es Maribárbola, enana macrocéfala de origen alemán, que también nos mira y, finalizando este plano, Nicolasillo Pertusato, que parece un niño pero también era un enano, bastante travieso por cierto, pues ya ves que le está dando una patada a un gran mastín tumbado en el suelo.

-Un poco más atrás, a la izquierda, está el pintor Velázquez sujetando un pincel en la mano derecha y la paleta con los demás pinceles en la izquierda. Se está inspirando para pintar a los reyes y se ha representado a sí mismo muy elegante y como de cuarenta años cuando ya rondaba los cincuenta y siete. Delante de él está la parte posterior del lienzo sobre un caballete.

-Ahora pasas a la zona derecha y, en un segundo plano, ves dos personajes: la dama Marcela Ulloa, “guarda menor de damas” y un caballero sin identificar que sería un sirviente de la corte y que tiene las manos juntas mientras escucha la conversación de la dama. Para marcar la distancia y el espacio, Velázquez los sitúa a ambos en penumbra y más abocetados que las meninas.

-Al fondo, una puerta de madera con cuarterones se abre a una estancia posterior muy iluminada y José Nieto, aposentador de la corte, está en las escaleras, no sabemos si viene o se va. Lleva un sombrero en la mano y viste una elegante capa negra. La luz es de tal intensidad que hace brillar la escalera, la puerta y la persona de José Nieto.

-Colgado en la pared ves un espejo que refleja la luz y donde el rey y la reina aparecen con un cortinaje rojo. No sabemos si están quietos posando para Velázquez o si entran en ese momento en la habitación.

-La estancia es amplia y de techo alto, sería el estudio del pintor y por eso hay grandes cuadros por las paredes (identificados en la actualidad). Existen ventanas en la pared derecha y están alternativamente abiertas y cerradas lo que nos acentúa la sensación de profundidad y de atmósfera real. El gran tamaño de las figuras, casi natural, subraya aún más su presencia en un espacio muy creíble.

 

Diapositiva nr. 15: La Fábula de Aracné o “Las Hilanderas”, Velázquez,  1656-57, Museo del Prado, Madrid.

 

                                  

 

-Hay pinceladas mas sueltas, más amplias, parece como impresionista.

-Hay una gran profundidad.

-Representa a uno de los talleres de la Real fábrica de tapices de Santa Isabel.

-Durante mucho tiempo se consideró a estas Hilanderas como un cuadro de género en el que se mostraba una jornada de trabajo en el taller de la fábrica de tapices. En primer plano se ve una sala con cinco mujeres (hilanderas) que preparan las lanas. Al fondo, detrás de ellas, y en una estancia que aparece más elevada, aparecen otras tres mujeres ricamente vestidas, que parecen contemplar un tapiz que representa una escena mitológica. Durante mucho tiempo se consideró éste su único asunto. Sin embargo, a causa de la propia entidad del cuadro y por la «ambigüedad» de significados presente en algunos de los lienzos más significativos de Velázquez, debemos resistirnos a interpretarlo como una sencilla escena cotidiana.

-Hoy se admite que el cuadro trata un tema mitológico: La Fábula de Atenea y Aracne, en una escena del mito de Aracne que se describe en el libro sexto de Las metamorfosis de Ovidio. Una joven lidia, Aracne, retó a la Diosa Atenea, inventora de la rueca, a tejer el tapiz más hermoso. La escena del primer término retrataría a la joven, a la derecha vuelta de espaldas trabajando afanosamente en su tapiz. A la izquierda, la Diosa Atenea, que finge ser una anciana, añadiendo falsas canas a sus sienes. Sabemos que se trata de la Diosa porque, a pesar de su aspecto envejecido, Velázquez muestra su pierna, de tersura adolescente. En el fondo, se representa el desenlace de la fábula. El tapiz confeccionado por Aracne está colgado de la pared (El rapto de Europa –obra de Tiziano para Felipe II). Su obra constituye una evidente ofensa contra Palas Atenea, ya que ha representado varios de los engaños que utilizaba su padre, Zeus, para conseguir favores sexuales de mujeres y Diosas. Frente al tapiz, se aprecian dos figuras, son la Diosa, ataviada con sus atributos, como el casco y la humana rebelde que viste un atuendo de plegados clásicos. Están colocadas de tal manera que parecen formar parte del tapiz. Otras tres damas contemplan cómo la ofendida Diosa, en señal de castigo, va a transformar a la joven en araña, condenada a tejer eternamente.

-Fue pintado por encargo para D. Pedro de Arce montero del rey.

–Técnica: Velázquez divide la obra en planos, a la manera de aquellos cuadros medievales cuyos grupos han de «leerse» en un orden determinado, como si fuesen páginas de un libro. Consigue que nuestra vista pase de la hilandera iluminada de la derecha, a la de la izquierda, para saltar por encima de la que se agacha en la penumbra hasta la escena del fondo. Allí, una de las mujeres se vuelve hacia el espectador como si se sorprendiese de nuestra incursión en la escena. Poner el mensaje en un segundo plano es un juego típico del Barroco.

-En cuanto a los colores, Velázquez usa una paleta casi monocroma, con capas de pintura finas y diluidas. Sobre todo en sus últimas obras, utiliza una gran variedad de tonos ocres, tierras y óxidos, aplicados de una manera poco común a su época: muy diluídos y con pinceles de astas finas y largas. El dominio de Velázquez en el manejo de los pinceles es soberbio, ya que es capaz de definir lo que desea pintar con escasa materia y pocas pinceladas, transformando una mancha en figura, según la distancia del espectador. Usa una pincelada suelta, semejante a la de los impresionistas dos siglos más tarde.

-Uno de los puntos más destacables de la técnica de Velázquez es la perspectiva aérea, consiguiendo un efecto «atmosférico» similar al de Las Meninas: consigue crear la sensación de que entre las figuras hay aire que distorsiona los contornos y las difumina, logra captar el espacio que arropa las figuras.

-La destreza del arte de Velázquez destaca también en el dinamismo que imprime al cuadro, dando sensación de movimiento, sobre todo en el giro de la rueda, cuyos radios no alcanzamos a ver por la velocidad a la que está girando y también en el personaje de la derecha, que devana la lana con tanta rapidez que parece que tiene seis dedos.

-Hay un «arrepentimiento» visible en la cabeza de la muchacha de perfil de la derecha. El lienzo sufrió unas adiciones cuando pasó a las colecciones reales[1] , siendo ensanchado por sus cuatro costados, pero no son de la mano de Velázquez.

-Hubo unos añadidos en las esquinas que se hicieron en el S.XVIII.

 

20-11-2007

 

Diapositiva nr. 16: Inmaculada concepción, de Murillo, Museo del Prado Pintura barroca española, 1676-78. Óleo sobre lienzo.

 

                                               

El título completo de esta obra es "Inmaculada Concepción de los Venerables", por el asilo sevillano de sacerdotes ancianos para el que fue pintada por encargo de Justino de Neves canónigo de la catedral de Sevilla, o "de Soult", mariscal de Napoleón que se llevó el cuadro a Francia durante la invasión francesa. Estuvo en el Museo del Louvre (París) hasta 1947 en que fue devuelta a España por el general Pétain, junto a otras obras de arte.

Género: Se trata de una pintura religiosa, de devoción, muy usual en la España del siglo XVII.

Tema: El pintor representa a la Virgen como una joven morena, bella, tierna y dulce, flotando suavemente sobre nubes esponjosas, en un gran rompimiento de gloria. Está vestida con túnica blanca y manto azul, con las manos juntas sobre el pecho en actitud de plegaria y la cabeza suavemente ladeada mirando al cielo. A sus pies hay una media luna. Aparece rodeada de juguetones angelotes (hasta 30, unos de cuerpo entero y otros sólo cabecitas). Es una imagen encantadora, llena de gracia y elegancia.

Composición: el grupo está captado de forma espontánea y libre, en las más variadas actitudes y posturas, llenas de movimiento. En el centro de la composición está la Virgen, de canon estilizado y rodeándola, en movimiento curvo, los angelitos. Murillo los agrupa de forma desigual: abajo, flotan once; a la izquierda hay siete cabecitas arriba y cuatro debajo; a la derecha, tres y cinco. Unos son muy visibles mientras que otros desaparecen en la penumbra, ya que hay varios planos de profundidad. El pintor evita la frontalidad y destaca las lineas ondulantes en los abultados pliegues del manto y las diagonales, con abundantes escorzos. La perspectiva es aérea. Es un estilo dinámico y escenográfico, teatral, pero sin violencia.

Luz: Es la protagonista del cuadro. Murillo emplea una técnica iluminista. Sobre el fondo dorado, radiante, se recorta la figura de la Virgen, envuelta en luz para indicar su carácter celeste. Su rostro y vestido blanco irradian luz. La zona izquierda aparece muy iluminada, mientas que la derecha está oscura o en penumbra abajo.

Color: hay gran riqueza cromática, el colorido es vivo, lleno de matices. Predominan los tonos cálidos, dorados, contrastando con los frios. Destacan el blanco y azul de la figura central. Las pinceladas son sueltas, espontáneas, vaporosas, fluidas. La técnica de Murillo es magistral.

Dibujo: pierde importancia ante el color y la luz, aunque el pintor fue un gran dibujante. Los contornos están esfumados, diluídos.

Estilo: Observamos todas la características propias del Barroco: composición movida y dinámica, con predominio de líneas curvas y diagonales; color rico y variado, pero con un color predominante que da unidad al cuadro ( el dorado aquí); contrastes de luces y sombras; pérdida de importancia de la línea; realismo y gusto por el detalle; falta de claridad y confusión, etc.

Significado: Murillo crea con la Inmaculada Concepción un nuevo tipo iconográfico que surge ligado a la propaganda de la Contrarreforma. Es la referencia iconográfica de la mujer del Apocalipsis dominando a Satanás (mezcla de serpiente, dragón y águila según San Isidoro), aunque la serpiente no esté en el cuadro. Parece un cuadro realista pero está cargado de símbolos: el vestido blanco y la dulce apariencia casi infantil de la Virgen representan la pureza, la virginidad; el azul del manto nos indica que es la Reina del cielo, lo mismo que la media luna, que también simboliza el triunfo sobre el Islam; la cara con la mirada hacia el cielo, llena de luz, expresa que es puente entre Dios y los hombres. El culto a la Virgen enlaza con el de otras Grandes Diosas Madres de la Antigüedad mediterránea.

La función de esta imagen contrarreformista es, según Pacheco, "persuadir a los hombres a la piedad y llevarlos a Dios". Pero además esta encantadora y sentimental imagen, desvinculada de la realidad de la Sevilla azotada por la peste, servía a la gente para evadirse de la miseria que la rodeaba.

Bartolomé Esteban Murillo fue la imagen dulce de la contrarreforma. Sus obras están llenas de sentimentalismo, dulzura, y fueron religiosas casi todas. Se formó en el taller de Juan del Castillo en Sevilla. Sus primeras obras fueron tenebristas y posteriormente lo fue dejando. Esta idea la capta de Zurbarán y de Ribera. Tuvo bastante conciencia de la pintura italiana y sobre todo de la escuela veneciana en el colorido. Sus obras son también vaporosas, como levitando con ángeles, es muy teatral. Trabajó para numerosos conventos e iglesias. La vida de los Santos (Hagiografía) fue muy tratada por él; temas religiosos como el Buen Pastor, San Juan señalando a Cristo

                         

o temas profanos como “Niño comiendo melón” “Jugando a los dados”, etc.,

.                      

Pero fue el pintor de las Inmaculadas. En el S.XVII el dogma de la Concepción de la Virgen tomó conciencia y comenzaron a representarla.

 

Diapositiva nr 17: Adoración de la Sagrada Forma, de Claudio Coello, Sacristía Monasterio de El Escorial, Madrid.

 

 

 

-Pertenece a la escuela madrileña. Temática religiosa pero también tiene temática cortesana influenciado por Velázquez.

-C.Coello (1642/1693), comenzó pintando decorando interiores de iglesias al fresco, y también otros edificios madrileños. En 1666 se convirtió en pintor de cámara de Carlos II (tiene varios retratos de Carlos II) y en esta época de los retratos es cuando mas influenciado está por Velásquez.

–El cuadro representa a Carlos II adorando la Sagrada Forma.

–Se encargó para la Sacristía de El Escorial. Se situó en el altar de la sacristía y el artista prolonga un poco la perspectiva dibujando la sacristía.

–representa de alguna manera la sociedad nobiliaria de la época.

–Se encuentra también el duque de Medinaceli, el duque de Pastrana, el propio pintor y el hijo de los duques de Alba. 

–Era muy detallista según se observa en los tapices, candelabros, etc.

–En él predomina el dibujo sobre el color.

 

Diapositiva nr. 18: Bóveda sacristía catedral de Toledo, de Lucas Giordano

 

 

 

-L.Giordano fue el pintor mas representativo del barroco madrileño; pintor de cámara también de Carlos II. Se dedicaba a decorar bóvedas, capillas, etc, Nació en Nápoles y fue discípulo de José de Ribera. Su primera etapa fue tenebrista. Está considerado como un magnífico pintor de los frescos.

–En 1698 decoró esta bóveda con el tema de la imposición de la casulla a San Ildefonso por parte de la Virgen.

–Giordano concibe esta idea con un gran cielo abierto por el que cabalgan numerosas figuras alegóricas en medio de una gran sensación de agitación y movimiento. En Toledo está muy arraigada la tradición de pintar ángeles y santos que acompañan a la Virgen. En el centro está el “rompimiento de Gloria” (separación de los terrenal y celestial), presidido por el nombre de Yahve con un efecto lumínico y alrededor seis santos toledanos que ocupan los huecos de las ventanas, incluyéndose entre estos seis santos Luca Giordano.

 

Diapositiva nr. 19: Carlos III comiendo ante su corte (tab a 56 x 64 cm), 1770, de Luis Paret y Alcázar, Museo del Prado.

 

 

 

-Pertenece a la corte y su estilo es ya mas Rococó que Barroco.

   La pintura del S.XVIII va a carecer del esplendor del S.XVII.

-Paret es el segundo mejor pintor del S.XVIII (detrás de Goya). Pertenece al estilo barroco del S.XVIII y pinta cuadros de pequeño formato. Va a ser un excelente dibujante (predomina el dibujo sobre el color). Tiene factura miniaturista.

–Numerosas figuras de porte elegante (característica francesa) que se mueven sobre numerosos decorados con un rico cromatismo.

–El cuadro se desarrolla en un marco público (almuerzo) al que asiste en pleno toda la corte.

–No todos comen, sólo lo hace el rey.

–En la mesa del fondo hay paredes recubiertas de lienzos, tapices, etc.

–Los sirvientes van vestidos a la moda del S.XVIII.

–La habitación corresponde al Palacio Real de Madrid y sería la antecámara del moncarca.

-Paret firma esta obrfa en griego: “Luis Paret hijo de su padre y de su madre lo pintó”.