Goya: Grabados serie "Los desastres de la guerra"
Sala de Exposiciones Hospital de la Caridad, Sevilla.-
Fecha de la visita: 26-feb-2009
Abierta
hasta el 28 de febrero, la muestra de los grabados de Goya es de acceso
gratuito.
"Antes que él nadie tuvo la oportunidad de mostrar así hasta qué punto la
guerra supone una catástrofe. Una visión que, por desgracia, hoy sigue
vigente", apunta José Javier Pomar, subdirector de Ibercaja y director
territorial de la la entidad financiera en Andalucía, sobre la conocida serie
de grabados de Francisco de Goya Los desastres de la guerra, que podrá verse
desde hoy y hasta el próximo 28 de febrero en la sala de exposiciones del
Hospital de la Caridad.
Este crudo "reflejo de lo que el hombre puede llegar a hacer en un momento
determinado" fue creado por el pintor aragonés entre 1810 y 1814, en plena
Guerra de la Independencia contra el invasor fránces, aunque por razones de
censura no fue impreso hasta 1863, 35 años después de la muerte del artista.
"Es una denuncia no sólo contra el ejército invasor, sino una crítica
contra todos los contendientes, sin importar el bando, que provocaron el caos
-explica al respecto Íñigo Aguirre, comisario de la exposición-. Aquí están
reflejados el pillaje, el hambre, la miseria… El rasgo característico de Goya
es que no se casa con nadie".
Cedida por un coleccionista a la entidad, esta serie, una primera tirada, es
una de las dos copias completas que posee Ibercaja. La otra se muestra con
carácter permanente en el Museo Camón Aznar de Zaragoza y cuenta con una
particularidad: dos piezas más, un total de 82 frente a las 80 que pueden verse
en Sevilla. "Tras la primera impresión de 1863 aparecieron otros dos
originales", comenta Aguirre.
Junto a las impresiones, el visitante podrá contemplar en una sala anexa los
útiles de la epoca para la elaboración de grabados y una serie de paneles
explicativos sobre dicha técnica.
Pomar, que aprovechó la presentación de la exposición para firmar un convenio
de colaboración con la Hermandad de la Caridad, mediante el cual invertirá
45.000 euros en obras de remodelación del hospital, anunció la disposición de
Ibercaja para traer otras muestras a la ciudad.
La serie de Los desastres
de la guerra están conformados por 82 estampas alusivas a los acontecimientos
ocurridos durante la Guerra de la Independencia en España.
Desde Cea Bermúdez hasta la
actualidad, se han escrito multitud de comentarios, tratando de explicarlos y
darles sentido. Así por ejemplo son de destacar las obras de Lafuente Ferrari,
Los desastres de la guerra de Goya y sus dibujos preparatorios, Instituto
Amatller, Barcelona, 1952 (Un resumen de la misma aparece como Francisco Goya.
Los desastres de la guerra, Gustavo Gili, Barcelona, 1979); Más tarde T. Harris
corregiría o ampliaría estas interpretaciones en la obra Goya. Engravingsn and
lithographies, Cassier, Oxford, 1964; Posición diferente en la interpretación
es la de C. Derozier en La guerre d´Independence Spagnole a travers l´stampe
(1808 – 1814), Université Lille III, Lille, 1976; Años después Valeriano Bozal
retomará el tema tratando de buscar un estado actual de la cuestión, Imagen de
Goya, Lumen, Barcelona, 1983 (en 1994 V. Bozal volverá sobre sus pasos
valorando e interpretando los grabados desde una perspectiva netamente estética
en Goya y el gusto moderno, Alianza, Madrid, 1994); Finalmente Jessua Vega en
la obra Francisco de Goya. Grabador. Instantáneas. Desastres de la guerra,
Caser, Madrid, 1992; recogerá todas las diversas opiniones y posibles fuentes
de los grabados que se han ido realizando hasta la fecha de edición.
La serie de imágenes girará
en torno a tres motivos principales (al margen de las últimas estampas
conocidas como caprichos enfáticos).
El primero de los temas es
el referido al terror y al miedo. Son grabados que reflejan el producto
psicológico de la guerra. El terror está patente en ellos, un terror que
envuelve y a veces deforma a las figuras y que su origen se encuentra en el
miedo, pero no un miedo abstracto hacia lo desconocido, sino un miedo concreto
hacia las consecuencias de la guerra: hambre, destrucción, enfermedad y muerte.
Las estampas que más ahondan en este tema serán las números 1, 40, 42, 44, 45,
65, 66, 67, y 70; si bien prácticamente en toda la serie se pueden observar
estos sentimientos de terror y desolación.
Otro gran tema de la serie
es el de la muerte y la tortura. Es prácticamente el tema más utilizado en toda
la obra y aparece dentro de diversas facetas, facetas que van más allá de la
mera representación de tipos de muertes para constituirse más bien en los
distintos tipos de formas que tiene el hombre de matar y torturar al semejante
(fusilamientos, ahorcamientos, linchamientos, empalamientos, acuchillamientos,
hambre, enfermedad…) De la misma manera también se representarán dentro de este
mismo tema otra facetas: las de la actitud del hombre ante la muerte: quienes
van a ella de forma resignada, quienes luchan hasta el último memento, quienes
la sufren desconsoladamente, quienes meditan o sueñan sobre ella… Siendo el
denominador común de toda esta serie de facetas (bien de forma, bien de
actitud) la constante individualización de la muerte. Se ha señalado en
infinidad de ocasiones como frente a la visión clásica de la guerra heroica,
Goya plasma la visión romántica de la guerra con la muerte y la destrucción
como bandera, pero el pintor va aún mucho más lejos: Nos presenta una muerte
individualiza, no solo por el retrato de algunos personajes, sino más bien por
las formas de morir, cada una distinta, con distintas actitudes ante ella tanto
del verdugo como de su víctima. Esta misma individualidad la acerca al
espectador quien reconoce en ella unos sentimientos y unas actitudes
universales, razón por la cual que la estampa adquiera un tono de atemporalidad
que la hace contemporánea en cualquier momento de la historia.
El tercero de los temas
patentes en la obra de Goya es el del hambre y la miseria. Este tema aparece en
las últimas estampas antes de los caprichos enfáticos. Tienen un cierto grado
de fatalismo, como si el destino final de hombre fuese el de la autodestrucción
y en ellos podemos apreciar todas aquellas consecuencias indirectas de las
contiendas bélicas, por este motivo, la serie en este punto se cierra con ese
toque de amargura por el que finalmente cuando no ha sido una muerte directa y
atroz, ha sido una penuria constante la que ha desencadenado el nefasto
desenlace.
Finalmente aparecen lo que
se ha vendo en llamar “caprichos enfáticos” Esta serie de grabados
comienzan con el número 66, Extraña devoción! Y terminan con la última de las
estampas. La diferencia con el resto de la obra es que en ellos cambia el
sentido de toda la serie, pasando de la plasmación de los hechos mismos
acontecidos a una reflexión sobre aspectos políticos e ideológicos que han envuelto
estos hechos narrados. De esta manera el “vampirismo” de los legisladores, la
superstición popular, la corrupción política o simplemente la injusticia se
convierten en alegorías que nos muestran el trasfondo y la razón última de lo
acontecido.
Estampas
1.-Datos técnicos de la obra:
·
Título:
Tristes presentimientos de lo que ha de acontecer
·
Tipo de
grabado: Aguafuerte, buril, punta seca y bruñidor
·
Fecha de
realización: Entre 1810 y 1815
·
Fecha de
publicación: 1863
·
Dimensiones
de la obra: 178×220 mm
·
Catalogación: Nº de inventario 45689 (1) (Catálogo de la Biblioteca Nacional
-España-)
·
Clasificación temática dentro de la serie: Varios, introducción
Tema y descripción de la obra:
Un hombre aparece arrodillado con
las manos extendidas y mirando al cielo. Este primer grabado abre la serie.
o
Comentario de la obra:
El hombre en actitud de implorar,
de soledad frente a unas circunstancias que le superan, viene a ser un poco el
sumario de lo que se va a ver en las siguientes estampas: La soledad del hombre
frente al desastre, frente a la guerra, la injusticia, a la iniquidad o
simplemente la barbarie. Frente a las que se encuentra solo y a merced de las
mismas.
Técnicamente, la utilización del
aguafuerte permite al pintor plasmar los contrastes de claro-oscuro que
diferencian la luminosidad del sujeto frente al entorno, ahondando de esta
manera en la idea del hombre solo.
2.- Datos técnicos de la obra:
·
Título: Con
razón o sin ella
·
Tipo de
grabado: Aguafuerte, lavis, buril, punta seca y bruñidor
·
Fecha de
realización: Entre 1810 y 1815
·
Fecha de
publicación: 1863
·
Dimensiones
de la obra: 150×209 mm
·
Catalogación: Nº de inventario 45689 (2) (Catálogo de la Biblioteca Nacional
-España-)
·
Clasificación temática dentro de la serie: Acciones francesas, fusilamientos
Tema y descripción de la obra:
Escena de un fusilamiento en el
que unos soldados franceses se disponen a ejecutar a unos civiles tras la invasión.
o
Comentario de la obra:
La obra, sin duda recuerda a los
Fusilamientos del tres de mayo (1814), de la que posiblemente este grabado sea
su origen. En la escena se utilizarán los recursos que más tarde pasarán al
cuadro, como la presentación de unos civiles indefensos e individualizados,
frente a una “maquina de matar” sin rostro. Por tanto la interpretación de la
obra más que una alusión directa a las ejecuciones de los franceses (de quienes
entre sombras y amalgamiento casi no se les identifican) se convierte en un
grito frente a la barbarie (indeterminada y amorfa) que corta la vida de los
inocentes.
El mismo nombre del grabado, nos
introduce en su correcto significado “Con razón o sin ella” nos habla mucho de
como frente a situaciones de esta índole, la razón se pierde cuando se usa y
abusa de la violencia, hasta tal punto que el argumento de determinar de parte
de quien está “la razón” queda en un plano secundario ante tales hechos.
3.- Datos técnicos de la obra:
Título: Lo mismo
·
Tipo de grabado:
Aguafuerte, buril, punta seca y bruñidor
·
Fecha de
realización: Entre 1810 y 1815
·
Fecha de
publicación: 1863
·
Dimensiones
de la obra: 162×223 mm
·
Catalogación: Nº de inventario 45689 (3) (Catálogo de la Biblioteca Nacional
-España-)
·
Clasificación temática dentro de la serie: Respuesta española, linchamientos
Tema y descripción de la obra:
Unos civiles españoles están
atacando y matando a unos soldados franceses con puñales y hachas, instrumentos
que elevan el tono de los hechos. La estampa está en relación directa con la
anterior
o
Comentario de la obra:
Si en la anterior imagen, Con
razón o sin ella, se nos presentaba un grupo de soldados franceses fusilando a
unos civiles desarmados, ahora son esos civiles los que matan a los soldados.
Es significativo la utilización de estas dos imágenes al comienzo de la serie
ya que ambas, con idéntico nombre, (Lo mismo, viene a repetir el anterior) nos
presentan una introducción a la barbarie de la guerra, venga de donde venga y
sean cuales sean los protagonistas o las causas de la misma. Si en la primera
llamaba la atención la presentación del ejercito francés como una máquina de
matar sin rostro y por tanto deshumanizado, aquí aparece la misma deshumanización,
si bien esta vez de la mano de la crueldad de la escena en la que un civil está
apunto de dar un hachazo a un soldado.
4.- Datos técnicos de la obra:
·
Título: Las
mugeres dan valor (Sic)
·
Tipo de
grabado: Aguafuerte, aguatinta bruñida, lavis, punta seca y bruñidor
·
Fecha de
realización: Entre 1810 y 1815
·
Fecha de
publicación: 1863
·
Dimensiones
de la obra: 157×207 mm
·
Catalogación: Nº de inventario 45689 (4) (Catálogo de la Biblioteca Nacional
-España-)
·
Clasificación temática dentro de la serie: Respuesta
española, linchamientos
o
Tema y descripción de la obra:
Unas mujeres aparecen en la
escena luchando contra unos soldados franceses.
o
Comentario de la obra:
Si no fuese por la explicación
del título de la obra, se podría pensar que ésta es continuación de las dos
anteriores (Con razón o sin ella y Lo mismo), esto es, lo repugnante de la
violencia y de la muerte, parta de donde parta y sea quien sea el que la lleve
a cabo, en este caso mujeres. No obstante la referencia al “valor” que aparece
en el título de la estampa, nos indicaría más el papel desempañado por las
mujeres en la Guerra de la Independencia, quienes, al igual que los hombres
intervinieron en la lucha contra los franceses.
Con respecto a esta imagen y a
otras en donde aparece representada la mujer, cierta historiografía cercana al
psicoanálisis nos hablaría de una escena de violación en donde la mujer se
resiste. Este tipo de comentario tal vez se acerque más a la idea de Goya de
crítica de la violencia en todas sus formas. En este sentido el “valor” que
Goya da a la escena sería más el de resistirse frente a un abuso que el de la
“heroicidad” de la mujer en su posición de atacante. Esta idea vendría
sustentada al aparecer las dos figura femeninas como víctimas y en inferioridad
de condiciones frente a sus atacantes.
5.- Datos técnicos de la obra:
·
Título: Y
son fieras
·
Tipo de
grabado: Aguafuerte, aguatinta bruñida y punta seca
·
Fecha de
realización: Entre 1810 y 1815
·
Fecha de
publicación: 1863
·
Dimensiones
de la obra: 158×210 mm
·
Catalogación: Nº de inventario 45689 (5) (Catálogo de la Biblioteca Nacional
-España-)
·
Clasificación temática dentro de la serie: Respuesta española, linchamientos
o
Tema y descripción de la obra:
Una mujeres aparecen atacando con
garrochas, puñales y piedras a unos soldados franceses.
o
Comentario de la obra:
Esta obra está directamente
relacionada con la anterior, Las mugeres dan valor. En este caso la
representación de la mujer ya no es la del “valor” de la escena anterior en
donde se resiste a una serie de abusos. Ahora es ella la que ataca y mata a los
soldados utilizando todos los elementos a su alcance. Si en las estampas nº2 (Con
razón o sin ella) y nº 4 (Lo mismo) se constituían como un todo en donde en una
se señalaba la crueldad de los franceses frente a las víctimas españolas y en
la otra la posición contraria, aquí va ocurrir lo mismo con estas dos estampas
femeninas: En una guerra en donde el ser humano saca lo más negro que lleva
dentro, la mujer será tanto víctima como verdugo en determinadas
circunstancias. Se pierde por lo tanto los roles “buenos” y “malos”.
No deja de ser significativo el
título de la obra, Y son fieras, que contrasta grandemente con la idea femenina
que Goya había pintado en sus anteriores cuadros. Baste recordar las imágenes
de mujeres en sus tapices, elegantes, serenas, prototipos de unos papeles
pasivos asignados por una sociedad dieciochesca y compararlos con éstas para
que impacte la diferencia, diferencia que viene provocada por una guerra que
trastoca todas las cosas.
6.- Datos
técnicos de la obra:
·
Título: Bien
te se está (Sic)
·
Tipo de
grabado: Aguafuerte, lavis y buril
·
Fecha de
realización: Entre 1810 y 1815
·
Fecha de
publicación: 1863
·
Dimensiones
de la obra: 144×210 mm
·
Catalogación: Nº de inventario 45689 (6) (Catálogo de la Biblioteca Nacional
-España-)
·
Clasificación temática dentro de la serie: Heridos y muertos, los franceses
o
Tema y descripción de la obra:
Un oficial del
ejercito francés yace herido en el suelo mientras es atendido por alguno de sus
soldados.
o
Comentario de la obra:
Goya nos
presenta otra escena de la guerra, en este caso las bajas del ejercito francés.
Todo se enmarca en la misma dinámica de las estampas anteriores: en unas los
personajes serán víctimas, en otras, verdugos. En este caso es el ejercito
invasor el que sufre las bajas. No obstante el título de la obra nos hace
pensar que Goya se “alegra” de este resultado, ya que posiblemente este oficial
es el que con anterioridad mandase acciones contra los civiles
7.- Datos
técnicos de la obra:
·
Título: Que
valor!
·
Tipo de
grabado: Aguafuerte, aguatinta, buril, punta seca y bruñidor
·
Fecha de
realización: Entre 1810 y 1815
·
Fecha de
publicación: 1863
·
Dimensiones
de la obra: 158×209 mm
·
Catalogación: Nº de inventario 45689 (7) (Catálogo de la Biblioteca Nacional
-España-)
·
Clasificación temática dentro de la serie: Respuesta española, lucha
o
Tema y descripción de la obra:
Una mujer sobre
una serie de cadáveres anónimos dispara un cañón contra las tropas francesas.
o
Comentario de la obra:
En este caso nos
encontramos ante la única estampa en donde aparece una figura reconocible: se
trata de Agustina de Aragón, mujer zaragozana que ante el avance de las tropas
enemigas, no duda en trepar por una pila de cadáveres de partisanos españoles
que han muerto en la batalla para continuar ella misma con lo que los otros no
pudieron finalizar. Goya, que no toma partido en ningún momento en la lucha
entre los españoles y las tropas napoleónicas, reflejando toda la guerra como
la sinrazón y la crueldad del género humano, sí destaca hechos puntuales que
algún momento, bien por su heroísmo, bien por su trascendencia han atraído
poderosamente su atención. La estampa es de factura clásica (tanto en las ropas
de la heroína como en la factura de la técnica) por ese mismo motivo, el tema,
también clásico, pasará de reflejar la monstruosidad de la guerra en su
vertiente romántica para representar el valor clasicista.
Esta imagen se
convertirá en una fuente icnográfica a la que recurrirán muchos pintores años
más tarde cuando aborden la temática de pintura de historia.
8.- Datos
técnicos de la obra:
·
Título:
Siempre sucede
·
Tipo de
grabado: Aguafuerte y aguatinta
·
Fecha de
realización: Entre 1810 y 1815
·
Fecha de
publicación: 1863
·
Dimensiones
de la obra: 178×219 mm
·
Catalogación: Nº de inventario 45689 (8) (Catálogo de la Biblioteca Nacional
-España-)
·
Clasificación temática dentro de la serie: Varios, Escenas de guerra
o
Tema y descripción de la obra:
Uno de los
jinetes, un coracero, del ejercito francés ha caído con su caballo en una carga
o
Comentario de la obra:
La obra de
entrada nos está presentando a un coracero en el suelo que ha caído de su
caballo. En principio podemos suponer que se trata de una imagen más, otra de
las muchas vicisitudes de una lamentable guerra. No obstante el título que Goya
da a la misma: Siempre sucede, nos induce a pensar que hay algo más. Sin llegar
a elevar a símbolo la acción, si podemos colegir que la caída grabada nos está
indicando en cierta manera la caída (no del ejercito francés como han querido
ver algunos) sino la caída de las esperanzas afrancesadas de Goya, truncadas
por el comportamiento de los soldados napoleónicos.
INDALIANO Y OLÉ 